Quelqu’un devrait créer un jeu sur : la restauration d’œuvres d’art
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Bonjour et bienvenue dans notre nouvelle série qui sélectionne des choses intéressantes sur lesquelles nous aimerions que quelqu’un fasse un jeu.
Ce n’est pas une chance pour nous de prétendre que nous sommes des concepteurs de jeux, mais plutôt une occasion de célébrer la gamme de sujets que les jeux peuvent aborder et le genre de choses qui semblent remplies de glorieuse promesse de jeu.
Consultez nos archives “Quelqu’un devrait créer un jeu sur” pour toutes nos pièces jusqu’à présent.
Vénus, la déesse de l’amour, est allongée sur son lit, tandis que son fils Cupidon tient un miroir. Elle le regarde, mais son reflet est flou et plongé dans l’ombre. Nous ne pouvons pas voir qui elle est vraiment. Velazquez nous implore d’évoquer notre propre image de la beauté et de compléter nous-mêmes l’image.
Velazquez a cette capacité inégalée à peindre une scène comme s’il la rappelait d’un rêve brumeux. Il applique chaque coup de pinceau avec une telle efficacité, et avec une peinture aussi fine, le Rokeby Venus semble à peine exister. Au début, nos yeux sont automatiquement attirés par Vénus, Cupidon et le miroir, mais regardez attentivement et vous remarquerez que le pied arrière de Cupidon et le pied gauche de Vénus ne sont que de simples silhouettes. Les ailes de Cupidon sont composées de simples balayages, et même la draperie complexe a cette même qualité éphémère, comme si elle pouvait disparaître à tout moment.
Regardez fixement la forme de Vénus et vous ne soupçonnerez jamais rien. Même pour le spectateur le plus perspicace, tout est comme il semble. Allez, penchez-vous et placez votre oreille sur l’image. Écoute ça? C’est le doux rire du restaurateur en chef de la National Gallery, Helmut Ruhemann.
Le 10 mars 1914, la suffragette Mary Richardson erra dans la National Gallery et lacéra la toile de Velazquez avec un couperet à viande (une histoire pour une autre fois, mais qui mérite certainement d’être examinée). Comme vous pouvez le voir, elle a laissé le tableau avec sept graves entailles, qui ont toutes été magnifiquement restaurées par Ruhemann.
Il s’agit d’un excellent exemple de restauration « trompeuse » et c’est certainement la méthode de restauration d’art la plus populaire de nos jours. J’ai récemment visité la National Gallery pour voir la Rokeby Venus en chair et en os, et si j’avais été totalement inconscient de son histoire, il aurait été presque impossible de dire qu’elle avait été si violemment massacrée. Si je regardais de très près, je pouvais juste distinguer ses cicatrices, d’un ton plus clair et remarquablement fidèles à la réalité.
En d’autres termes, la restauration d’œuvres d’art est fascinante. Et c’est aussi une entreprise complexe – avant même que vous ne preniez un pinceau.
Je serais prêt à parier que beaucoup d’entre nous pensent que la restauration de Rokeby Venus est tout simplement époustouflante. Eh bien, pour quelqu’un comme Cesare Brandi, cette peinture “invisible” souille complètement l’original. Il considérerait cela comme un horrible faux, corrompant la nature même de l’œuvre.
Alors, quelle sorte de restauration proposerait-il alors ? Eh bien, regardez l’image ci-dessous.
Ceci est tiré des Scènes de la vie de saint Jérôme de Pietro Perugino (1495). A gauche on la voit lors du nettoyage, et à droite, après restauration. Je sais ce que vous pensez – c’est bizarre, et on dirait que le restaurateur a soigneusement posé les fondations mais n’a pas terminé le travail. C’est en fait la forme idéale de restauration d’art de Brandi, quelque chose appelé tratteggio, ou comme on l’appelle parfois, rigatino.
Ces deux mots se traduisent vaguement par “petite ligne” en italien, et si nous regardons de plus près, il est clair de voir pourquoi. Le restaurateur a tissé des centaines – voire des milliers – de lignes verticales ensemble, chacune de teinte “pure” (couleur non mélangée) et d’un simple mouvement du poignet. Ils fusionnent pour former une brume pixélisée de statique, mais qui brise les nuances clés de la pièce et les disperse soigneusement devant nous. Il y a aussi une qualité nervurée dans les zones restaurées, comme si le fait de passer rapidement le bout de votre ongle le long de sa surface texturée produisait un son aigu « bzzzt ».
En son cœur, tratteggio honore le parcours d’une œuvre d’art. Ses nombreuses années suspendues à une place de choix dans la chambre du roi, sa descente déchiquetée depuis une fenêtre léchée par les flammes, ses journées froides et humides dans une cave à vin abandonnée et sa nervosité se déroulant devant une foule feutrée. “Nous devons nous souvenir de ce qui a été perdu.”, dirait Brandi, et pointer du doigt tout ce qui manque. Pour lui, ce ne sont pas des défauts, mais des expériences qui ont façonné l’identité de l’œuvre.
Bien sûr, l’artiste original n’aura pas peint la pièce avec l’intention de la faire tomber en ruine, mais à chaque coup de pinceau, il lui a insufflé la vie. Je pense que c’est la clé pour comprendre le tratteggio. Une œuvre d’art transcende sa “chose physique” et devient presque vivante.
Ce qui est fascinant – et je pense tranquillement comme un jeu – c’est la qualité multidimensionnelle du tratteggio. De loin, le fuzz semble former un tout flou, nous pouvons donc être témoins de la vision de l’artiste et de l’histoire qu’il raconte. Au fur et à mesure que nous nous rapprochons, les lignes se précisent, nous permettant de voir les marques du temps, sans jamais détourner l’attention de la touche unique de l’artiste. Cela donne l’impression que vous avez retiré une très fine couche de la toile et que vous regardez une collection tourbillonnante de souvenirs.
La restauration du château de Matrera a provoqué une réponse vicieuse lors de son inauguration en 2015. Certains l’ont qualifié de “massacre”, et d’autres ont même affirmé qu’il avait apporté “la honte à l’Espagne”. Certes, il n’est pas difficile de voir pourquoi beaucoup reculeraient à la vue d’un château vieillissant soutenu par une béquille apparemment vierge. Dans leur esprit, ils se sont imaginés errant dans les couloirs poussiéreux de cette forteresse autrefois magnifique, escaladant ses tours et ayant une idée de ce qu’elle pouvait être à l’époque médiévale. Pour eux, il aurait dû être entièrement reconstruit pour ressembler à l’original.
Tout comme la philosophie de Brandi embrasse la décadence, il en va de même pour le château de Matrera. Certains de ses restes émiettés n’ont pas été touchés, et un écran étonnamment moderne agit maintenant comme une surface qui affiche fièrement ce qui reste de ses murs, mais nous donne également la liberté de reconstituer ce qu’aurait été la structure d’origine. On nous donne un récit honnête de sa vie, et j’aime la façon dont il se montre au spectateur comme s’il était toujours là après toutes ces années, heureux de partager tout ce qu’il a vécu et d’accepter l’aide qu’il a reçue.
Bien que la philosophie de restauration de Brandi soit un rejet pur et simple des autres techniques, il est ironique qu’elle soit totalement fondée sur l’acceptation. Que vous le croyiez laid ou non, il y a quelque chose à admirer dans la façon dont il honore l’art. Plutôt que de recoudre une pièce endommagée dans une tentative sournoise de défaire l’histoire, tratteggio vous aide à apprendre à lâcher prise. Ce qui est perdu ne peut jamais être récupéré, mais cela nous permet d’imaginer ce qui aurait pu être.
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